Núcleo de Pesquisas Teatrais Encontros Possíveis

2 a 5 de dezembro de 2014 em Cuiabá e Chapada dos Guimarães-MT

Cidade dos Outros

A vida é um jogo que deve ser vencido a qualquer custo, mas o que se pretende ganhar?

Primeira Pele

O espetáculo traça o signo desta companhia que busca o aprimoramento e a intersecção das linguagens artísticas em seus espetáculos

Criadouro

O espetáculo trata do tema contemporâneo do consumo e o quanto a ganância pode ser fatal

sexta-feira, 22 de outubro de 2021

Curta-metragem "O menino e o Ovo" (12', 2020) - assessoria



Joana, uma menina de 8 anos, ouve dizer que na cidade onde mora (Cuiabá, Mato Grosso - Brasil) faz tanto calor que é possível fritar um ovo no asfalto. Incomodada com essa afirmação, Joana tenta descobrir se é verdade, mas a mãe a proíbe de usar os ovos do galinheiro de sua casa. Decidida a seguir com sua pesquisa, ela burla a mãe e tenta, de várias maneiras, ver se o ovo frita mesmo, até que encontra um menino que vai mudar totalmente sua experiência.

Essa é a história do curta-metragem O Menino e o Ovo (12', 2020), de Juliana Capilé. No elenco, a atriz mirim Maria Luíza Tozato interpreta Joana, em seu primeiro trabalho como atriz. Nas filmagens, acompanhada de sua mãe Renata e sua avó Alda, Maria Luíza demonstrou muito profissionalismo e concentração, o que facilitou bastante o trabalho da produção do filme: "Normalmente é muito difícil trabalhar com criança, porque exige mais paciência da equipe e existem vários cuidados que devemos tomar. Mas, com a Malu foi muito tranquilo", revela a diretora Juliana Capilé, que escolheu a atriz por um motivo especial. "Todas as crianças do casting eram maravilhosas, mas Malu tinha um olhar contemplativo de quem sabe observar. Foi isso que me despertou para escolhê-la para o filme. Eu vi a curiosidade de Joana nela".


No elenco estão ainda a atriz veterana Tatiana Horevicht no papel da mãe de Joana e Ronaldo Adriano como pai. Os personagens são a casca e a gema do ovo: enquanto a mãe é dura e ríspida, principalmente quando proíbe Joana de fazer experiências com os ovos da casa, o pai, ao contrário, é carinhoso e receptivo.  

O curta foi filmado em uma época excepcionalmente fria em Cuiabá. Em uma cidade onde normalmente o sol é brilhante e muito quente, os dias de gravação ocorreram em dias de chuva e baixas temperaturas. O talento do diretor de fotografia Marcelo Biss imprimiu tons frios e quentes para o filme na medida em que Joana desenvolve sua trama.

O Menino e o Ovo fez parte do Box de Curtas de 2020, uma iniciativa da produtora executiva Bárbara Varela que criou uma solução de compra coletiva para baratear os custos de produção cinematográfica de MT e viabilizar mais produções com maior qualidade. Junto com o filme de Capilé, estavam os curtas O Conto da Perda, de Ângela Coradini e Ausência, de Luíz Marchetti.


O Menino e o Ovo foi selecionado para diversos festivais, no Brasil e exterior, e ganhou importantes prêmios. O principal foi no Festival Utopia - UK Portuguese Film Festival, onde recebeu o prêmio máximo de melhor curta-metragem. Também participou de festivais importantes como o Cine Caramelo, 24ª Mostra de Cinema Tiradentes, Petit Pavê de Curitiba, Festival Cinemato e 14º Curta Taquary, onde recebeu 6 prêmios, incluindo melhor direção, roteiro e atriz principal.



Seleção em festivais:


11ª Utopia UK Portuguese Film Festival - (Inglaterra) - Vencedor na categoria melhor filme

24ª Mostra de cinema de Tiradentes (Brasil)

New Generation Film Festival NGFF; (Serbia)

4ª Festival de Cinema de Muriaé (Brasil)

Cine Verão 2021 (Brasil)

1º Festival de cinema velas do Piraquê-Açu -  na Mostra A Escola Vai Ao Cinema;(Brasil)

1º CineRô - Festival de cinema de Rondônia; (Brasil)

Festival de Cinema de Caruaru - Mostra Infantil; (Brasil)

V Petit Pavé – Festival de Cinema Independente de Curitiba (Brasil)

Curta Taquary - Mostra Criancine (Brasil): Vencedor de 6 prêmios, sendo: Melhor Roteiro (Juliana Capilé), melhor direção (Juliana Capilé), melhor atriz (Maria Luíza Tozato), melhor som (Thiago Miagui e Alexandre Rogaski, melhor direção de arte (Joel Gatto e Raphael Costa), melhor figurino (Alexander Pedroso e Karine Queiroz).

20º CINEMATO (Brasil) - Melhor curta metragem - Prêmio do Júri popular (2021)

Cine Caramelo (Brasil) - Mostra infanto-juvenil (2021)

Cine Ema (2021) - Mostra Cine.Eminha do 7º Festival de Cinema Ambiental do Espírito Santo

Screen  & Story Film Festival (UK) - Mostra Oficial (2021)

14ª SMVC Mostra Fundação Eny de Curtas Brasileiros - Troféu Vento Forte para Melhor Direção de Arte - Raphael Henrique Costa Silva e Joel Gatto 

IV Mostra Sesc de Cinema - Circulação Nacional 2021

VW Bus Short Film Festival - Seleção Oficial 2021


Ficha técnica:

Elenco:

Maria Luíza Tozato: Joana

Tatiana Horevicht: Mãe

Ronaldo Adriano:  Pai

Thereza Helena: Professora

Nicollas Lourenço Neves: Menino


Equipe:

Roteiro e Direção: Juliana Capilé

Produção: Bárbara Varela

1º Assistente de Direção: Caru Roelis

2º Assistente de Direção: Vitória Molina

Platô: Joycy Ambrósio "Varejão"

Continuísta: Isabela Venâncio

Preparadora de Elenco: Tatiana Horevicht

Produtora de Elenco: Ana Maria Araújo

Assistente de Produção de Elenco: Giu Alves

Preparador de Animais: Evandro Gollmann

Direção de Fotografia: Marcelo Biss

1º Assistente de Câmera: Robson Silva

2º Assistente de Câmera: Leonardo Ferreira

Video Assist: J Danielides Solci

Logger: Gabriel Varela

Making Of e Still: Vitória Molina

Maquinista: Edson Costa "Bacana"

Eletricista: Luciano Marquis

Auxiliar Técnico: Pedro Carlos Ananias

Transporte: Belga Transporte e Turismo

Caminhão: Éder Mariano

Direção de Arte: Joel Gatto e Raphael Henrique Costa Silva

Produtora de Objetos: Isabela Sanders

Produtor de Objetos: Manoel Vieira

Produtor de Objetos: Jorge de Lyon

Produtora de Objetos: Patrícia Varela

Arte Gráfica: Sebastião Oscar Gaspar

Cenotécnico: Deyveson Leite

Figurinista: Alexander Pedroso

Assistente de Figurino: Karine Queiroz

Maquiagem e Cabelo: Karla Marinho

Assistente de Maquiagem e Cabelo: Lydia Paula Bizerra

Produção Executiva: Bárbara Varela

Produção Executiva / Controller: Aline Teixera

Assistente de Controller: Felipe Tavares

Auxiliar Administrativa: Ana Paula Nunes

Contabilidade: Marcont Serviços Contáveis

Produtora de Locação: Patrícia Varela

Produtora de Locação: Joycy Ambrósio "Varejão"

Catering: Helô Food

Técnico de Som: Thiago Miagui (in memorian)

Estúdio de Pós Produção de Som: Off-Beat Audio (Curitiba- Brasil)

Edição de Som e Mixagem: Alexandre Rogoski

Edição de Efeitos Sonoros: Bruno Ito e Halyne Czmola

Estúdio de Mixagem Final: Off-Beat Audio

Produção de Pós: Caru Roelis

Script Doctoring: Mariana Pinheiro

Montagem e correção de cor: Isabela Padilha

Letreiros: Juliana Corso

Cartaz: Gabriel Oliveira 

Legenda em inglês: Caru Roelis

Produtora Infinity



Críticas:


O que saiu na imprensa:

segunda-feira, 16 de setembro de 2019

EntreNãoLugares - Agenda de Apresentações

Foto: Fred Gustavos
EntreNãoLugares - Agenda 2019


Dedicado à Vilma Clara Mendes Horevicht (1941 – 2018)

Duas narradoras – catadoras de papel – contam histórias de migrações e viagens seguindo a rota de Ulisses na sua jornada de volta à casa. O sonho de Ulisses era chegar à Itaca; é o mesmo sonho de muitos migrantes do passado e de hoje que almejam uma ilha de paz onde construir um lar. Um passo vem depois do outro. Elas continuam andando enquanto desaparecem a sensação de pertencimento,  de tradição, narrativas e registros. As histórias não estão escritas em livros, mas nos corpos dos caminhantes, com gotas de suor na terra e lágrimas na areia. No final, tudo o que restou de Ítaca é uma ilha de plástico no meio do mar.


Atuação: Juliana Capilé e Tatiana Horevicht
Adereço cenográfico: Julia Varley, Juliana Capilé, Tatiana Horevicht
Construção de adereço: Douglas Peron
Figurino: Julia Varley, Juliana Capilé, Tatiana Horevicht
Confecção de figurino: Jane Klitzke
Preparação vocal: Cristiane Puertas
Preparação corporal: Elka Victorino
Design de luz: Fausto Pro
Iluminação: Karina Figueredo
Web designer e fotografia: Fred Gustavo
Música original: Karla Izidro
Dramaturgia: Julia Varley e Juliana Capilé
Direção: Julia Varley

Co-Produção: Nordisk Teaterlaboratorium (DK) e Cia Pessoal de Teatro (MT)

AGENDA:

ALTA FLORESTA - MT
Quando? 09 de dezembro
Onde? Festival de Teatro da Amazônia Mato-grossense
Que horas? 20h30
Quanto? Gratuito

PRIMAVERA DO LESTE - MT
Quando? 15 de novembro
Onde? Festival Velha Joana - Primavera do Leste - MT
Que horas? 19h30
Quanto? Gratuito pelo Festival

ILHA DE SANTIAGO, MINDELO - CABO VERDE
Quando? 07 de novembro
Onde? MINDELACT - Cabo Verde
Que horas? 21h
Quanto? Nada. Só chegar.



CUIABÁ - MT
Quando?  16 e 17 de outubro (Quarta e quinta)
Onde? Sala Anderson Flores - Cine Teatro Cuiabá
Que horas? Serão duas sessões: 1ª 18h e a 2ª às 20h
Quanto? R$ 20,00 (inteira) e R$ 10,00 (Meia)



CUIABÁ - MT
Quando?  22/09/2019 - DOMINGO
Onde? Teatro do Cerrado - Zulmira Canavarros 
Que horas? Serão duas sessões: 1ª 18h e a 2ª às 20h
Quanto? R$ 20,00 inteira e R$ 10,00 meia - PARTICIPE DA MEIA SOLIDÁRIA - com 1kg de alimento não perecível



Apoio:

Obra realizada com recursos da finada Funarte e da Secretaria de Cultura de Cuiabá

terça-feira, 23 de julho de 2019

Perguntas a partir da minha segunda vida - por Eugenio Barba

Eugenio Barba. Foto: Fred Gustavos







Todos temos duas vidas, e a segunda começa quando de repente descobrimos que estamos velhos e somos tratados como tal. Nossa integridade física e nossa identidade social mudam radicalmente. A consciência do momento presente, o sorriso de um estranho, o azul luminoso do céu, a incredulidade depois de uma noite sem dor nos ossos renova o encanto da vida. Eu estou no centro do meu aqui e agora.
O mundo da minha juventude desapareceu ao meu redor. Olho em volta e uma pergunta emerge naturalmente: a aceleração do tempo, o ritmo de vida e a irrupção da tecnologia são compatíveis com meu modo de imaginar, amar e realizar meu trabalho como diretor, como especialista em tecnologia arcaica - o ser humano?
Sinto orgulho e contentamento nesta hora de celebração aqui em Náuplia, nesta Universidade do Peloponeso tão jovem e ao mesmo tempo depositária da sabedoria de uma cultura milenar que me marcou profundamente. Sinto, no entanto, algo que poderia se parecer com injustiça. Os méritos que são atribuídos a mim e pelos quais hoje recebo o título honorífico de Doutor não podem ser o resultado de apenas um indivíduo. Eu me dediquei ao teatro, isto é, a uma disciplina artística, um saber fazer incorporado e um ofício que pode realizar-se apenas através de uma estreita interação entre diferentes indivíduos com diferentes habilidades.
Tudo o que sei, tudo o que realizei em cena, e que em seguida eu traduzi em palavras no papel, devo aos meus atores, aos inúmeros colaboradores cujas ideias e capacidade em realizá-las levaram a iniciativas artísticas, e a tantas outras pessoas que muitas vezes não tinham nada a ver com teatro. Nesse momento ao meu redor há todo um povo secreto de vivos e de mortos, professores que nunca me conheceram, espectadores que apenas imaginaram os meus espetáculos, amigos que eu nunca conheci. Esperam com curiosidade ouvir as palavras que escolherei para os agradece, enquanto mais uma vez giro em torno das poucas ideias, ou estrelas polares, que sempre guiaram meus passos.
O Odin Teatret é um grupo de teatro, mas também é um laboratório teatral radicado geograficamente em Holstebro, uma cidade provinciana dinamarquesa. Constituímos um ambiente de indivíduos de várias nações e línguas que no artesanato teatral  encontraram as raízes de uma pátria profissional.
Muitos falam do Odin Teatret como de uma lenda. Como um teatro se torna uma lenda? Fazendo o que é impossível fazer na nossa sociedade, para um teatro.
Nossos 55 anos de atividade com o mesmo núcleo de atores são uma prova de que o teatro não identifica apenas com o espetáculo. O teatro pode ser o acordo tácito de individualistas que, por profundos motivos pessoais e por meio de uma disciplina artesanal compartilhada, expressam sua diversidade em uma forma de vida e trabalho. Nossa identidade como teatro é múltipla: atividades didáticas, empreendimentos artísticos e atividades colaborativas que catalisam e incluem as muitas subculturas da comunidade em que vivemos. Conseguimos infringir as duas leis do DNA do teatro: a obrigação financeira de produzir espetáculos e a impossibilidade de manter o mesmo grupo de atores por anos e anos.
Criamos cerimonias festivas junto com nossos espectadores, ”trocando” expressões culturais com eles. Faz quarenta anos que nos dedicamos ao que chamamos antropologia teatral, a busca dos princípios da pré-expressividade do ator e de sua presença cênica.
                Nosso conselheiro literário Nando Taviani afirma que o Odin Teatret é essencialmente político. A afirmação “o teatro é política com outros meios” não se refere somente ao conteúdo dos espetáculos, as histórias e eventos que podem mais ou menos incidir sobre as experiências históricas e sobre a consciência civil dos espectadores. Engloba também os modos através dos quais um teatro imagina e desenvolve sua estrutura de relações internas e as interações com o exterior. Como se renova, como decide agir, como concretiza o efeito de colocar-se de fora, movendo-se contra a corrente através de meios técnicos e artísticos e das múltiplas formas de relações que pode criar. O objetivo é evitar ser engolido pelo espírito do tempo, pelas tendências do mercado e manter a identidade de “estrangeiro” através da surpresa e do valor de iniciativas culturais no coração da comunidade fragmentada em que se vive.
                Hoje posso afirmar: o teatro é energia. Persisto com meus atores em fazer florescer espetáculos que não se deixam compreender em sua totalidade pelos espectadores porque não se dirigem ao intelecto e sim ao ser-em-vida. Energia é uma palavra indescritível, um termo de muitas faces. E, no entanto, basta tomar nos braços um recém nascido, estar ao lado de uma pessoa gravemente enferma, pousar os lábios sobre os de uma mulher ou homem, observar uma árvore, uma nuvem, uma aranha para que todo nosso ser perceba uma mensagem e reaja. É uma mensagem de energia que não se deixa verbalizar, mas sentimos dirigida a nós especificamente. Esta mensagem é um texto que deciframos com nosso organismo e suas diferentes memórias.
                Este processo cinestésico-gestual e subliminar corresponde a diferentes ritmos e naturezas de energias. Podemos imaginar como o texto de uma língua que não entendemos, mas no qual todos nós – atores e espectadores – podemos nos identificar orgânica, dinâmica e ritmicamente. Exatamente como o poeta que se identifica, com todo seu ser, em cada palavra que escreve, ou o pintor cuja pincelada sobre a tela coincide com a energia de suas necessidades e de sua linhagem. “Em cada uma de minhas pinceladas está meu sangue mesclado com o do meu pai” escreveu Cezanne em uma carta.
                Quando falo de energia, de luminosidade, de mensagens que deciframos com nosso sangue e com nossas cicatrizes interiores, que coisa eu nego, contra quem ou a quê eu me oponho? Sou ainda um mensageiro, mesmo que não saiba a quem estou servindo nem compreenda o sentido da mensagem?

Uma pergunta que surge da história do teatro
                O teatro, como o entendemos hoje, nasceu na Europa no século XVI como atividade comercial com a única finalidade de ganhar dinheiro. Havia uma necessidade própria e real somente para quem o fazia, e buscava obter lucro e ter a aprovação dos espectadores. Havia algo de mercenário. Sobre este teatro venal a literatura estendeu seus tentáculos. Os atores mercenários a tornaram acessível, acrescentando a atração do erotismo, da sedução, do terror e do escárnio. 
                Separadamente, se desenvolvia o teatro dos amadores. Visto que não dependia do critério de consenso e de remuneração dos espectadores, podia ser mais ousado. Cumpriu, involuntariamente, uma revolução Copernicana: o teatro é necessário para quem o faz, não só por razões econômicas, mas também como necessidade cultural e espiritual. Uma ilha de liberdade, para resumir em uma fórmula simples.
 Esta revolução copernicana foi absorvida no século XX pelo teatro profissional com seu comércio de espetáculos. Esse outro lado da necessidade de teatro era o sinal de seu enobrecimento. Os atores foram elevados ao nível de artistas e intelectuais. Era óbvio, no entanto, que, quando aplicada às regras da profissão, essa revolução copernicana nascida nas regiões do amadorismo estava condenada ao fracasso quando tentava sobreviver na esfera econômica do comércio de espetáculos. Dava vida a iniciativas artísticas brilhantes que, mais cedo ou mais tarde, colidiram com as leis do mercado, e depois de alguns anos se dissolveram. Encontrou nova vitalidade e recursos quando a era de doações, subsídios e patrocínio generalizado começou, muitas vezes regulada por leis estaduais. Por quanto tempo Stanislavski e seu Teatro de Arte de Moscou sobreviveriam sem subsídios?
A era dos subsídios deu origem ao esplendor do teatro do século XX, a idade de ouro da nossa arte. Hoje não é bizarro ver um ator agraciado com o Prêmio Nobel de Literatura ou honrado com um diploma universitário. É o sinal tangível de uma discriminação finalmente superada. Do ponto de vista da história da cultura, é a queda de um preconceito secular. Do ponto de vista da história dos teatros, é o fim de uma era.
Este fim coincide com o momento no qual o teatro, em sua totalidade, se torna um gênero minoritário e arcaico no universo das formas espetaculares do nosso tempo.
Este fato levanta uma questão: o que acontecerá ao teatro com o possível fim dos subsídios? O que será desta potencial ilha de liberdade, de seu rigor e compromisso, de sua revolta e recusa? O que será dos "jovens" que, dotados de tecnologias sofisticadas, buscam seu caminho e, afastando-se das ilusões e ideais de seus antecessores, avançam para as regiões secas?
Os idosos têm uma vantagem sobre os jovens: viveram mais tempo. Sabem que o trabalho só pode ser realizado trabalhando. Fridtjov Nansen, pensando em sua vida, costumava dizer: o impossível é apenas o possível que leva mais tempo.


Perguntas da minha biografia profissional
Tudo que eu fiz desaparecerá com a minha morte? Só tenho meu corpo e suas constelações internas. Aí reside o que sei que sei e o que não tenho conhecimento de saber. Minha percepção como diretor, assim como a dos meus atores, tem dificuldade em encontrar palavras adequadas. Suas raízes afundam no fazer. Para salvaguardar a eficácia deste conhecimento quase mudo, uso lugares-comuns e neologismos. Mas quando essa linguagem quer explicar demais, dá a impressão de pequenez, retórica ou incompreensibilidade. Em qual urna - método ou teoria - posso transmitir o essencial do meu conhecimento-em-vida?
Por que tanta teimosia e tantos esforços? O que eu queria do meu trabalho? A experiência me tornou consciente da lacuna entre a percepção e a compreensão entre aqueles que criaram a obra e aqueles que a observam. Sei que a imaginação é a mais científica entre as faculdades humanas, já que é a única capaz de intuir as analogias universais que os místicos chamam de correspondências. Sobretudo, creio  profundamente que a essência da verdadeira ação é sats, impulso. É a energia do ator que desperta a do espectador.
Minha maior dificuldade? Inspirar no ator ações que se elevem à dignidade de enigma. Tento estabelecer coincidências entre a execução precisa dos detalhes físicos e sonoros e a pluralidade de seus significados no marco de tempo e espaço no qual as misturo: oximoro em ações e ambiguidade nas cenas. Como primeiro espectador, constato em mim o efeito de evidência e mistério que as ações e os objetos assumirão diante dos olhos do espectador.
O meu ofício é somente saber fazer, ficção, forma? Palavras, entonações, silêncios, gestos, movimentos, imobilidade são uma teia de formas perceptíveis. Mas o desenho de todas estas milhares de tensões – as ações de partitura do ator – não é a forma. É a maneira de fazer perceber sensorialmente ao espectador o que está para além da forma.
                Eu me esgotei por um teatro comprometido? As ações dos atores devem dizer, não significar. Devem bastar por si só. Cada ação vocal ou física tem sua própria potência, uma individualidade e existência em si. A energia das ações deve falar por si própria, o suficiente para resistir à agressão das ideias e dos significados. Devem deixar uma marca naquela parte intima que vive no exílio em cada espectador.
Em um de seus cadernos, o pintor Edgar Degas escreveu estas linhas: "Piron afirma que um gato é um gato. Digo o contrário. Frequentemente, uma única palavra diz demais. Uma gaze fina deve velar o retrato sem esconder as feições." Meu conhecimento como diretor é incutido nesta fórmula. Nego o que o texto afirma. Evito a tautologia através de uma ação indescritível. Mas mesmo iludindo, devo dizer algo sobre o gato em questão. Uma única palavra pode ser demais, e a ilusão pode se transformar em omissão. Preciso inventar uma gaze fina, um artifício estranho que, sem esconder as características do gato, oculta o modo como estou evocando-o. Ações e cenas veladas para tornar o espectador perspicaz.
                Pode o teatro ser o caminho para outra forma de vida? Toda forma de vida se manifesta em uma estrutura. No teatro, essa estrutura é dupla: as relações particulares que caracterizam o ambiente de trabalho e o modo de compor a dramaturgia de um espetáculo. Quando digo dramaturgia, penso em ossos dispersos à espera de um agente funerário compassivo, um julgamento universal ou um demiurgo - o ator - que os traz de volta à vida.
O que é a vida no teatro? As mil tensões vivas dos atores revelam aos sentidos e a memória dos espectadores a vida da estrutura dramatúrgica. Como diretor estou-em-vida acompanhando o ator durante o crescimento desse organismo que pulsa, o espetáculo. É a orquestração de um fluxo que tecnicamente consiste em dividir a totalidade para dar espaço à independência das cenas. Cada cena, por sua vez, se decompõe para evidenciar a independência da trama das ações e dos atores. Por fim, também essa trama desaparece para dar lugar à independência das ações de cada ator, sua energia que fala.
É o momento mais intenso da simbiose do diretor com o ator. Juntos, operamos uma sucessão de mudanças na estrutura viva: da luz à escuridão, da obviedade à ambivalência, da multidão ao deserto, da ficção à reminiscência, do humano ao inseto, da morte à vulgaridade. Misturamos habilidade técnica e imagens que perturbam. Tecemos uma teia de trivialidade, lirismo e fantasia com a profusão de detalhes – confusos, preguiçosos, bêbados, frenéticos – mas sempre reais.
O que é o teatro? É a ciência suprema do mistério da vida, acessível até para os deserdados da terra.



(Tradução: Juliana Capilé e Tatiana Horevicht)


Discurso proferido em ocasião da entrega do Doutorado Honoris Causa da Universidade do Peloponeso, Grécia, 3 de julho de 2019.

Cia Pessoal de Teatro também é Cinema!

Gravação do curta O Menino e o Ovo. Foto: @vihmolima/@photosmolina
Teatro e cinema sempre tiveram uma relação estreita. Os primeiros grandes cineastas vieram do teatro, como Meliès e Chaplin, e  Max Reinhardt  e Peter Brook , ambos com uma carreira consolidada no teatro, fizeram a diferença também no cinema, só para ficar em dois exemplos. Na história da Cia Pessoal de Teatro não foi diferente. "Desde o início da minha carreira, ainda em Cuiabá, sempre estive entre o cinema e o teatro", revela Juliana Capilé, atriz, diretora e dramaturga que possui mais de 30 anos de carreira no teatro, 20 anos à frente da Cia Pessoal de Teatro ao lado de Tatiana Horevicht.
Encontros Possíveis 2014 - Foto: Arquivo
Cia Pessoal de Teatro

A companhia nasceu em 2001, com a montagem do espetáculo Primeira Pele, em Ouro Preto-MG, onde as fundadoras cursavam a graduação em Direção Teatral. Com Primeira Pele participaram de inúmeros eventos e realizaram duas turnês em Minas Gerais. Quando a companhia migrou para Cuiabá, deu início ao Núcleo de Pesquisas Teatrais que deflagrou na criação do Movimento de Teatro, um fórum de discussões políticas para união do segmento, e no Encontros Possíveis, um seminário prático-teórico de estudos teatrais. Em 2013 o evento se tornou internacional com a participação de Roberta Carreri e Jan Ferslev, do Odin Teatret da Dinamarca. O intercâmbio ficou
Marcelo Bones e Eugenio Barba - Encontros Possíveis 2015. Foto: Arquivo

mais intenso com as participações de Eugenio Barba, Julia Varley e João Brites em 2015. Em 2016 as atrizes passaram a viajar com frequência para a sede do grupo Odin, trabalhando no espetáculo EntreNãoLugares, que estreou no Nordisk Teaterlaboratorium Festival, em Holstebro - DK, com direção de Julia Varley.

Julia Varley. Foto: Fred Gustavos
O intercâmbio com o grupo dinamarquês se desdobrou na participação da companhia no Nordisk Teaterlaboratorium, uma plataforma de intercâmbio, produção e pesquisa teatral desenvolvido pelo diretor do Odin Teatret, Eugenio Barba e coordenado pelo elenco e por todo o staff. Como integrantes do NTL, as atrizes tinham passe livre nas dependências do edifício, além de ter à disposição para a montagem o que o NTL pudesse oferecer, como recursos materiais e pessoais. Como parte do acordo, elas trabalhavam em atividades artísticas em eventos que o NTL promovia na cidade de Holstebro, como performances e intervenções artísticas no Centro de Refugiados, na Casa da Mulher Imigrante ou outros locais. Trabalhar com pessoas imigrantes e refugiados, além de conviver com vários artistas de várias partes do mundo, enriqueceu bastante a experiência teatral das atrizes e elas voltam para Cuiabá e vão direto para o set de gravação.


https://odinteatret.dk/ntl-nordisk-teaterlaboratorium/ntl-co-productions/
https://odinteatret.dk/ntl-nordisk-teaterlaboratorium/


Do palco para o set


Em abril deste ano (2019) Juliana  filmou seu primeiro curta, O Menino e o Ovo, estreando como roteirista e diretora de cinema. O filme conta a trajetória da Joana (Malu Tozato), uma garota de 8 anos que tenta descobrir se é verdade que um ovo frita no asfalto de Cuiabá, de tão quente que é o chão.
Gravação do curta O Menino e o Ovo. Foto: @vihmolima/@photosmolina

O roteiro foi premiado no edital de cinema da Secretaria de Estado de Cultura, Esporte e Lazer de Mato Grosso - SeCEL e conta com a parceria da Produtora Infinity. O filme também faz parte do Box de Curtas 2019, uma experiência que está conseguindo trazer um impulso para o audiovisual mato-grossense com a execução de uma ideia simples: unir as forças. A ideia partiu da produtora executiva Bárbara Varela, que decidiu unir os recursos dos curtas contemplados com recursos de um edital da Secretaria de Estado de Cultura e otimizar esses recursos para conseguir uma melhor negociação. O resultado em 2017 foi a realização de 5 curtas metragens que totalizaram mais de 60 prêmios em festivais nacionais e internacionais. Veja as reportagens sobre esse assunto: 


https://www.olivre.com.br/box-de-curtas-movimenta-cinema-mato-grossense-com-tres-novas-producoes/amp/
https://pensarcultura.com.br/apos-sucesso-da-1a-edicao-box-de-curtas-produz-mais-tres-filmes-em-cuiaba/

As integrantes da Cia Pessoal de Teatro, Juliana Capilé e Tatiana Horevicht trabalharam no Box de Curtas 2017 como preparadora de elenco e atriz, respectivamente, levando toda a experiência de teatro da dupla para o cinema. "A atuação para cinema é bastante diferente da do teatro. No teatro o ator se relaciona com o espaço, com a presentificação e busca um extra cotidiano; no cinema toda atuação parte do naturalismo", revela Tatiana.
Tati Horevicht no set de gravação de "Ciranda" - Box de Curtas 2017. Foto: Wers Gravaluz
Tatiana iniciou sua participação no cinema como atriz no filme Le Mur, do diretor Severino Neto, em 2014. Este foi o segundo filme de Severino Neto em que Juliana trabalhou como preparadora de elenco, iniciando nessa função com o curta 3,60, também de Severino Neto, a convite da produtora de cinema Keiko Okamura. Depois de vários trabalhos com curtas, Juliana preparou o elenco da série
Bárbara Varela e Marcelo Biss. Foto: Wers Gravaluz
Cidade Invisível da produtora Forest Comunicação, com sede em Brasília, que envolveu um elenco mato-grossense e paraense. "Foi uma grande experiência esse trabalho; eu gostei muito, principalmente por causa do roteiro, do tema da obra e por ter conhecido de perto o trabalho dos atores do Pará, que foram fantásticos", lembra Juliana.
Depois disso veio o convite da Bárbara Varela para preparar o elenco do Box de Curtas 2017. "Não era para um filme só; era para cinco!", conta Juliana, "um mais lindo que o outro!". Para ela a preparação de elenco não substitui a direção de elenco e nem tenta fazer o trabalho do diretor. O preparador vai acompanhar o trabalho do ator para que sua atuação esteja em sintonia com os objetivos do diretor e que possa desempenhar seu trabalho de forma mais eficiente. "Normalmente o ator faz esse trabalho sozinho e poder contar com um profissional auxiliando é um luxo que o Box de Curtas conseguiu oferecer para seus filmes", completa.
Preparação de elenco Box de Curtas 2017. Foto: Wers Gravaluz 
Dos cinco filmes do Box, Tatiana atuou em dois: Aquele Disco da Gal, de Juliana Curvo e Diego Baraldi e Ciranda, de Angela Coradini e Fellippy Damian. A performance de Tatiana nos curtas lhe rendeu o convite para o elenco principal do longa de Severino Neto, Batalha de Shangrilá, atuando ao lado de Gustavo Machado, Maria Ceiça e Ingrid Liberato. O longa está em processo de finalização, aguardado com muita expectativa. Este é um filme fruto do avanço do audiovisual mato-grossense onde todos saem ganhando: produtores, realizadores, artistas e claro, o público.

Odilon Wagner e Suzi Pires. Foto: divulgação
O Anel de Eva também foi filmado em 2019, com Suzana Pires, Odilon Wagner, Rafael Golombek, Laize Câmara, Sandro Lucose, Luciano Botoluzzi, Amauri Tangará e Lis Luciddi. Juliana trabalhou na preparação de elenco e no acompanhamento de set. Foi o primeiro longa metragem do Duflair Barradas, da Latitude Produções, que provou sua competência.
https://www.rdnews.com.br/cultura/conteudos/114894

https://www.midianews.com.br/cotidiano/com-direcao-e-roteiro-de.../352434


Cinema mato-grossense

O cinema em MT está crescendo cada vez mais. Marcelo Biss, diretor de fotografia com mais de 30 anos de experiência no audiovisual nacional e internacional observa que "nosso estado possui uma luz que não se encontra em nenhum outro. Um fotógrafo que vem fazer uma luz aqui, se surpreende com as cores e a incidência de luz que encontra. É um talento, digamos assim, uma potencialidade que o Estado tem, sem falar na beleza natural", revela ele. "Temos Pantanal, temos Chapada, temos cerrado e Araguaia; cenário por aqui não falta".
A questão é: esse potencial todo está sendo aproveitado?
Uma coisa é certa: existem muitos profissionais do audiovisual por aqui, fazendo coisas incríveis! Não perca a chance de conferir.


Juliana Capilé